關於 今時之慾男女主角 ，我們在網路上蒐集到這些相關的討論、資訊與評價

聽許多網友推薦，我也把《#當男人戀愛時》認真看完了。是部溫暖溫馨，笑中帶淚的小品佳作，尤其後面親情那塊整個打中，差點逼哭我。但前半段我倒是看得膽顫心驚，一起追劇的朋友見到我表情，趕緊說：「應該不會有人，把邱澤的方法當真吧？」
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然而就我從事心理師＆約會教練的多年經驗，倒覺得真會有人把男主角的行為誤會成浪漫，在現實中突進一番！事實上邱澤在電影中的言行舉止，若真在生活中出現，很高機率會被當噁男，女生直接報警處理（絕非電影中的抱緊處理）。
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【地雷一：快速且瘋狂愛上對方】
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許多電影為了戲劇效果，會使用「一見鍾情」這個浪漫元素。
然而從心理學來看，因為看一眼或對方一個行為，就認定此生非她不可，與其說是「愛情」不如說是「迷戀」。
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我們會產生很多猜測與幻想，腦補對方是心目中的完美情人，或視為自己灰暗生活中的一盞明燈。每次一想到對方，不但聚光燈會自動照射在她身上，還會自帶音效，好不浪漫啊！
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但這種腦補，很可能並未貼近真實，只是我們在欺騙、說服自己「她就是世上最適合我、最棒的人」。簡單來說，就是我們瘋狂迷戀上自己幻想的對象。既然對方如此完美，那自然不容錯過以免抱憾終身，於是我們會開始「狂追猛追」。
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【地雷二：堵人、跟蹤是因為我關心她】
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瘋狂追求的常見行為，就是想盡辦法看到對方，並製造刷存在感的機會。不論是「不期而遇」或「刻意等候」，都是想透過更多的交集，讓對方也對我們有意思。
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或許有些人會拿心理學的「曝光效應」，為自己的行為背書，認為只要不斷出現在對方眼簾，就能增加好感。很可惜，「曝光效應」要成功有個前提，就是對方對你的初始印象是正面的。換言之，若對方本來就不是很喜歡你、對你沒啥好印象，那我們一直刷存在感，只會讓對方更反感！
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電影中男主角的堵人、跟蹤、硬衝女生辦公場所聊天、狂送飲料，在現實中極高機率違反了「跟蹤騷擾防制法」草案（尚未三讀施行）。這些行為往往會被當成恐怖情人，讓對方心生恐懼、保持距離（就算你比邱澤帥也一樣）。
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【地雷三：威脅利誘只求交往】
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劇中男主角因為不斷被女主角擺臉色，在情急之下想到一個「秒招」，就是利用對方生活的困境，提出一個「互惠」方法。看似幫助她解決問題，實則是交換好處；男生表面釋放善意，背地則是為了滿足自身慾望，想藉此讓女生願意跟她約會，甚至「建立連結」。
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這種行為在現實中出現，不但會被當渣男、噁男，更可能直接被告上法院，不可不慎啊！
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另外，劇中男主角還有幾個具有恐怖情人潛力的特質：
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1. 習慣自我傷害，砸自己的頭、喝怪東西。
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2. 情緒起伏大，衝進農會打人、做事衝動。
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3. 自我中心，女主角不爽時，他卻說今天就不陪妳了，顯示他沒有意識到自己的行為是騷擾，覺得是在陪伴、關心。
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4. 自做主張，抱著我為妳好、為我們的將來好，而在對方不知情下擅自使用對方的財物。後面硬要塞錢給女主角，也是同樣的模式：我覺得這樣對妳最好，所以聽我的就對了。
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臨床實務上，恐怖情人常會用「我是為妳好」來做為控制或暴力行為的理由。（呃，有些怪獸家長也是如此）
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5. 逃避現實，出事就喝醉發酒瘋，並遷怒在別人身上、暴力攻擊。
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6. 魚死網破、破罐破摔，為求目的不則手段，即使要同歸於盡。
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當然，男主角在電影中還是有很多良善溫暖的一面，例如對家人、對其他辛苦的市井小民。我自己也認為，很多「用錯方法追求」而被視為「恐怖情人」的人，並非出於惡意。而是他們太習慣只用自己的角度思考，誤以為「這麼做妳會高興」，卻不知不覺傷害了自己心愛的人。
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電影是虛構、浪漫、美好的，女主角在劇情開展下給了男主角正面回應。然而，我們如果貿然在生活做出這些行為，嗯......害人害己的機率實在太高啦！將感動留在欣賞電影，現實中想脫單還是要找對方法噢！

BTW也歡迎來看影片版：
https://youtu.be/kUhOACAMiZw

【出外靠朋友】

後世看莫迪里亞尼（Amedeo Modigliani，1884-1920）作品，想到的多半是那些長型輪廓，線條簡潔，肌膚似乎帶著溫暖觸感，無畏流露情慾，創下拍賣高價的裸女圖像。但除此之外，莫迪里亞尼其實曾畫過不少肖像畫，雖說他自認並非專業肖像畫家，肖像畫不過是他藉由表現性強烈的輪廓線將圖像從雕刻中突顯出來的結果。而畫中主角多半是當時巴黎藝文界人士，比如莫迪里亞尼的朋友們，另外還有親密愛人、模特兒、女僕或鄰家女孩。

《雅各與貝斯李普茲》（Jacques and Berthe Lipchitz，1916）是莫迪里亞尼作品中僅有的三幅雙人肖像畫之一，畫中人是立陶宛雕塑家雅各．李普茲（Jacques Lipchitz，1891-1973）與俄羅斯詩人貝絲．基特羅瑟（Berthe Kitrosser，1889-1972）。他們在結婚時委託好友繪製這幅肖像，表面上是為了新婚留念，實際上是想解救莫迪里亞尼的經濟困境。

莫迪里亞尼和李普茲都是猶太裔巴黎異鄉人，剛來巴黎時皆落腳於左岸蒙帕納斯（Montparnasse），當時蒙帕納斯已經取代印象派畫家曾聚集的巴黎蒙馬特，成為最前衛的年輕藝術家集中地。

根據李普茲說法，莫迪里亞尼只花了兩天時間就完成此畫。

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原來莫迪里亞尼第一天便火速畫下20張素描，最後根據小夫妻結婚照片決定雙人肖像畫底定版本，第二天隨即宣告畫作已經完成。當時莫迪里亞尼為人作畫價碼是這樣算的：〝每種姿勢10法郎，再加上一點酒〞，嗯，你也知道莫迪里亞尼是個不折不扣的波西米亞酒鬼，而且一邊創作也總還是要灌上幾口酒。

不過李普茲覺得這一幅肖像畫只付10法郎有點過意不去，何況他當時才剛與藝術經紀人簽下新合約，領了一筆簽約金，手頭較為寬裕。於是他故意跟莫迪里亞尼表示，身為雕刻家職業病使然（職業病當然是我說的），私心偏好肖像畫能多點實質量感。

莫迪里亞尼只得再多畫個兩週，好歹這邊那邊添個幾筆，好讓李普茲完成資助朋友的心願。以莫迪里亞尼作畫速度來看，這可能是他畫過最久的一幅畫，據說他剛到巴黎時，一天就可以畫出100多張素描。

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《雅各與貝斯李普茲》實際作畫速度雖然才兩天，其他時間大概是喝酒比較多，反正已經畫得差不多了。但莫迪里亞尼卻鮮明巧妙地表現出中夫妻倆性格與角色對比。

背景如同畫家一貫風格，依舊簡單，大概看得出室內的抽象裝飾，丈夫隨興把手搭在妻子肩膀上。如面具般面容增添不同解讀的可能：妻子的大眼、雙脣和優雅頸項，顯得如此溫柔感性，正與丈夫表現於外的高度自尊形成對照，男方的小眼小嘴、歪斜鼻樑創造出一種諷刺效果，站姿也塑造出保護妻子的霸氣態度。

但如今除了這幅肖像畫之外，當年那些數十幅素描作品如今僅存男女主角單人肖像各兩幅。

身染病痛，酗酒、情緒化，加上偶發暴力行為和桀驁不馴性格，作品風格又不受賞識，莫迪里亞尼當時生活到底有多窮困？窮到讓朋友必須刻意製造機會接濟他？

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莫迪里亞尼1906年來到巴黎，剛好目睹隔年畢卡索畫出立體派創始之作《亞維儂少女》（Les Demoiselles d'Avignon，1907），也剛好眼睜睜看著這位在他眼裡缺乏服裝品味的西班牙小個子（其實畢卡索也承認莫迪里亞尼是唯一穿著有點品味的畫家），名氣越來越大，身價更是逐漸水漲船高。

但是恃才傲物如他，不想加入任何畫派，亦不願追隨畫壇熱潮，而是從非洲雕刻和羅馬尼亞雕刻家布朗庫西（Constantin Brâncuşi，1876-1957）那兒擷取靈感，再從希臘建築的柱狀結構、文藝復興的古典雕刻、羅特列克的大膽線條、塞尚的簡化細節、高更的異國風情、野獸派的溫暖色彩、立體派拆解物體後的平面…等眾多元素中逐漸摸索融合，至1914年因經濟困頓難以負擔雕刻所需的石料成本，再者，雕刻過程產生的粉塵讓他年少時便罹患的肺病更形嚴重，讓他不得不從雕刻轉回繪畫後，發展出個人專屬風格。

儘管身處立體主義和抽象藝術烽火燎原之際，莫迪里亞尼卻仍堅持古典情懷，以具象表現為主，讓形體拉長、變形，完成了個人專屬，結合古典與現代的獨特藝術表現方式。

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他的人物畫裡，如杏仁般眼睛、近似平面的輪廓下扭曲的面貌特徵，和細長比例都來自非洲面具的影響。這些缺乏瞳孔如面具般的人物肖像畫，視線不再與觀者相對望，讓你猜不透畫中人物情緒，反而導引觀者轉身凝視自身內心世界，或許淒涼、茫然，卻深刻而神祕。

莫迪利亞尼才華出眾，但他的作品在他1920年因肺結核去世後才獲得市場矚目。雖從1915年已步入創作顛峰，但始終未能享受自己辛苦灌溉出來的藝術果實，何況那時藝術市場受到一戰影響，曾經蕭條了好一陣子。莫迪里亞尼只能拿著畫作到蒙帕納斯小餐館換取餐食或酒精，而這一幅幅心血可能也被擱置一旁，與麵包、起司和香腸共同堆放於角落裡，夜間再成為米老鼠們的玩具被啃咬、踐踏。

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與梵谷類似，莫迪里亞尼也為了藝術創作奮力燃燒生命，甚至自虐，生前都受到極度蔑視，並且都沉溺於苦艾酒海中，加速痼疾惡化而英年早逝；另有一說，他酗酒和抽大麻都是為了減緩並掩飾自己的結核病情。

然而莫迪里亞尼不像梵谷有個好弟弟西奧和家人協助保存畫作，他的許多作品都因長期居無定所、生活混亂以及被世人輕忽踐踏，早已毀損佚失。相較於如今拍賣天價，更是讓人對於許多時候顯得勢利膚淺的藝術圈感到諷刺與惋惜。

這幅新婚肖像畫只留存於李普茲夫妻手中大約五年，幾經轉手，最終在芝加哥藝術學院安身立命。幸虧出外靠朋友，因為莫迪里亞尼潦倒時獲得的暖心協助，我們才得以見到畫布、顏料、構圖、形式和技法之外，無價友情的溫度。

#東西縱橫記藝JunieWang
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圖片來源 : Junie Wang & 網路
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第 56 屆 #電視金鐘獎 甫公布入圍名單，恭喜《#天橋上的魔術師》入圍 11 個項目大獎（不重複），包含戲劇節目類最佳戲劇、導演、編劇、燈光、攝影、美術設計、男主角（李奕樵）、女主角（孫淑媚）、男配角（朱軒洋）、女配角（黃舒湄、盧以恩）、最具潛力新人獎（李奕樵、羅謙紹、林潔宜），成為入圍階段領跑大贏家之一。
　
近幾年台劇的成績有目共度，從《我們與惡的距離》掀起極大關注，雖然我觀看台劇的數量遠不及電影，但這兩年間的話題台劇也都有所觀察，而《天橋上的魔術師》就是近年我最喜歡的台劇，我認為這部作品大膽、不媚俗，且非常相信觀眾並勇於挑戰市場。藉著金鐘獎入圍，重新聊聊這部片和當時專訪導演 #楊雅喆 的過程，提供讀者參考。
　
題旨：【專訪《天橋上的魔術師》導演楊雅喆：與中華商場的久別重逢，故事是從記憶裂縫長出來的】
　
「導演好，我是關鍵評論網的編輯。」
「你好，你好，我先把手擦乾再和你握手。」
　
這是我和楊雅喆第一次見面，對彼此說的第一句話。
　
接著楊雅喆用力地將濕漉的雙手擦乾，伸出乾淨、禮貌的雙手相握，才算是正式打過招呼。接下來是訪談前的暖身閒談，在話家常中，方才文質彬彬的導演一下在談笑間幹聲連連，粗話齊發。
　
「在錄音囉。」我好心提醒。
「在錄音我還是可以講髒話。」楊雅喆說。
「那我把髒話都寫進文章。」我開玩笑地說。
「可以啊。」楊雅喆沒在跟我開玩笑。
　
楊雅喆可能是至今我訪談過的影視工作者中，髒話最多的導演，這件事在訪談前五分鐘就成立了，但同時我也發現，楊雅喆待人謙遜，面對陌生、年紀差距近半的訪談者，仍記得將雙手清潔、以禮相待，或許這就是為什麼，楊雅喆在面對國民黨的肅殺歷史高喊「幹死威權」之際，還能讓觀眾在時代大旗之下，看見他對小人物們的用情至深。
　
回憶起楊雅喆的電影作品，在《囧男孩》「隔代教養」的困境中，感受小屁孩們的天真爛漫；在《女朋友。男朋友》「野百合學運」的青春騷動中，與林美寶攜手成長，共同悲喜；在《血觀音》「劉邦友命案」、「新瑞都開發案」的不公不義中，貼近女性的浪潮暗湧。綜觀楊雅喆的影像深處，命題皆扣準社會脈動，而後直搗人心的柔軟彼方。
　
在這些「暴烈控訴」中窺見的「可愛溫柔」，恰與「髒話的粗獷」、「擦手的禮貌」是同一件事，在細節與習慣的微觀之處，瞅見所謂的鐵漢與柔情，無論正反，皆積累成楊雅喆作品的底蘊。
　
而 2017 年，憑藉《血觀音》拿下金馬獎最佳影片，站在金馬舞台高喊「沒有人是局外人」的楊雅喆，沈寂四年，到了 2021 年選擇將吳明益筆桿油墨下的中華商場具現化，領著觀眾乘著時光機返回 1980 年代的絕代風華，時光悠悠淌流，只不過這次是朝著往事逆流，那裡有人、斑馬還有貓妖。楊雅喆在故事的集合體中，影像化出小人物在大環境底下的眾生相，望見戒嚴時代下中華商場獨特的美麗與哀愁。
　
所有的故事都有起點，和楊雅喆第一題就談《天橋上的魔術師》的改編起源，作家吳明益在上個十年推出的小說，何以打動這名影像創作者？
　
（中略）
　
然而，談起楊雅喆和 #吳明益，一名影視工、一名文字工，皆出生於 1971 年，今年都將邁入五十而知天命，對於 1980 年代，兩人的時代軌跡不謀而合，國小、國中、高中甚至是大學，在人生形塑價值觀的年少時代時，這兩位創作者是在戒嚴時代中成長。
　
對於五、六級生的台灣人而言，年輕時期歷經黨國解嚴，碰上總統直選、政黨輪替，經濟則先後面臨中小企業出走中國，股市萬點迎來熱錢繁榮而後接續崩盤，台灣風起雲湧，人心迅速變動，其中的關鍵字，是「慾望」。正如《神力女超人1984》所表述，1984 年是美國資本主義的高峰，商業、貪婪的氛圍充斥，人性永不滿足，從美帝反身回望這座汪洋孤島，楊雅喆眼中的台灣，同樣如此。
　
「我對那個年代的記憶是各種慾望。因為有錢，成了台灣慾望最高漲的時代，70 年代經濟起飛十年，80 年代大家開始揮霍，這種揮霍包括物質上和情感上的性慾，有點像整個社會是從修女或和尚學院畢業的學生，到了大學終於能瘋狂打砲、賭博，是一種極度壓抑後的解放狀態。」楊雅喆這樣說。
　
提到戒嚴時代，在第三集〈水晶球〉中， 楊雅喆開始描寫時代下的壓迫，因此象徵極權的惡棍警察出現，地下聚會的樂音也隱隱鼓動，天橋的生命力悄然生長，於是中華商場似成一座孤島，自成一處魔幻之地。但這與世隔絕的天橋，仍會被外力介入，戒嚴時期的普世傷痕，若隱若現，自然也成了中華商場的歷史符碼，若再扣合每集的開場引子「緬懷蔣經國」等歷史畫面，楊雅喆想在《天橋上的魔術師》書寫的寓意，或許就淡淡地飄然而出。
　
在中華商場中，有所謂的本省人、外省人、客家人、原住民、香港人等等，中華商場作為上世紀標誌性的空間場域，從日本政權到國民政府，權力系統轉移的傾軋與擺盪烙下痕跡，將族群熔於一爐。隨著中華商場的繁盛與興衰間，歷史目睹了從鄉野移居都市懷著「台北夢」的人們，當然也在其中發現跟隨國民政府「避難」、「反攻」的「大陸人」，這種台北城市的人口組成和住商混合的商業發展路徑，被《天橋上的魔術師》以某種戲劇性的張力鋪展開來，直到 1992 年正式拆除的舊城世界，成了真正的時代幽魂，或許這種幽魂，一直於台北城上徘徊，尚未消散。
　
而縱使經過 40 年，世代的本質對楊雅喆來說一點也沒變。「我覺得當代和 80 年代根本沒有差別，慾望還是一樣，問題也還是問題。」楊雅喆若有所思地說。
　
若從物質面檢視，智慧型手機的革命、網路社群的蓬勃發展等等，都與 80 年代拉開了距離，若從意識型態回溯，當代台灣言論已自由、同性婚姻甫立專法等等，皆與壓抑的年代闢出截然不同的道路，但楊雅喆認為，很多事情沒有各界想像的劇烈改變。
　
楊雅喆娓娓道來：「解嚴 40 年，陰影並非第二天就被照亮，很多我這代人無法接受台灣是主權獨立的國家，台灣人很難擺脫『大中國情懷』，這種意識型態靜靜地躺在我這代人的腦海，社會要擺脫某種意識型態，40 年是不夠的；再說到同性婚姻，我這代現在做父母的，家中若出現跨性別小孩，可能還是會剁了腳跟；而男女真的平等了嗎？若是平等，那批踢踢不會充斥厭女言論。從種種來看，精神面的鉗梏依然存在，你會發現對於『生而為人』的根本問題，40 年前到現在，我們沒有變。沒有變的原因是它並沒有被當成能在學校被教導、討論的事情，40 年來沒有一門課、很少人會帶著你思考——『我們為何生而為人』？」
　
上述就是楊雅喆口中的「沒有差別」，在戒嚴神話中，後解嚴幽魂下，台灣人幾十年處在意識型態斷裂、重塑的過程中，不斷對「台灣人」的身份拋問，再重新定義，而〈水晶球〉聚焦在朱軒洋、羅士齊、宋柏緯三名慘綠少年，成功捕捉住青春氣息，開場的三人舞蹈令人神往，也浪漫地處理了多角戀關係，更以「訂製西裝」作為符號，提煉出青少年們「轉大人」的不合時宜，這群奔向未知彼方的年輕人，銜接住彼此的是可能稍縱即逝的友情與愛情，這是多數人類的共感，也是〈水晶球〉能引起共鳴的成功之處，無論是否經歷 1980 年代。
　
這樣的共感，正是楊雅喆和編劇團隊所強調的。
　
楊雅喆說：「我期待沒有經歷 80 年代、中華商場的人，也能有共感，故事中角色擁有的疑惑、困難、情感，是不分世代的，我甚至希望不同世代的人可能因此開始對話。爸爸的故事跟小孩子的故事可能會有火花、撞擊，對彼此就能有更多一點瞭解吧。」
　
「紀實」與「虛構」則是《天橋上的魔術師》重要的雙重辯證，而楊雅喆和吳明益，無論是影像或文字，皆十分熟稔自己創作的媒介，在「記憶的裂縫中」雙雙化為天橋上擅於變魔術的說書人，觀眾不用全然相信，因為每種獨立的記憶皆截然不同，但請進入說書人創造的世界，聽一遍會令人深深著迷的故事。
　
在楊雅喆的影像中，揮灑想像力捏造天馬行空的意外空隙，如此「時間魔術」的抽象概念才能被實踐，觀眾就摔進記憶碎片的裂縫漩渦之中，目眩神離地返回 80 年代。
　
王家衛在《2046》說：「所有的記憶都是潮濕的。」楊雅喆的《天橋上的魔術師》則魔幻地道出：「所有的記憶都與消失有關。」首集播出之後，「原來消失，才是真正的存在」這句話便清楚明瞭地定義這齣旗艦大戲。若我們再往下挖掘記憶與消失的互文關係，「時間」的另一層符旨，就在編劇團隊的巧筆之下，於焉成形。
　
（中略）
　
訪談最後，我問楊雅喆：「從你十年前看過小說，而後標案、拍攝最終成品上線，整趟旅程，你覺得是一場魔幻的奇蹟之旅嗎？」
　
「是啊。」楊雅喆篤定的這樣說。「很多時候你回望人生，任何動作都會是奇蹟，但你要努力，才有奇蹟。碰上疫情，只能改戲，但大家還是想到方法改，這就是奇蹟。像方才提到第七集的孫淑媚，她在臨時調動後，依然演得真好，就是演員帶給我的奇蹟。我只能盡全力控制作品不要長歪，最後沒有歪掉，反而更好，這就是奇蹟。」
　
楊雅喆近半世紀的人生，求學階段就讀淡江大學大眾傳播學系，從未想過踏進編導之路，但前後拿了金鐘獎、金馬獎、台北電影獎等各大影視獎項，這些就是散落於人生中的意外奇蹟，套句爛俗的台詞：「人生就像一盒巧克力，永遠也不知道拿到什麼。」或許對楊雅喆而言，每顆巧克力都醞釀了奇蹟，苦澀中帶著甘甜，整顆嚐完之後仍要輕舔沾滿巧克力粉的手指，永遠充滿樂趣，也唯有如此，奇蹟與魔術師才會出現。
　
2021 年，楊雅喆和劇組化身「魔術師」，試圖變出奇蹟，讓台灣、讓全世界觀眾重返慾望高漲的 1980 年代，在戒嚴時期、經濟起飛等背景氛圍中，感受消失的魔法，抓住天橋上曾有的吉光片羽。在那之中，有地攤商家、有地痞流氓、有打機少年、有長舌婦人等等，然後你會知道，這些人、事、物經過 40 年仍舊沒變，同樣為情所困、同樣八卦調皮、同樣不屈體制，這些小人物就像你的隔壁鄰居、像你的小學老師、像你在街上擦肩的路人，注定要相遇。
　
王家衛說：「世間所有的相遇，都是久別重逢。」《天橋上的魔術師》就是楊雅喆和中華商場久別重逢的相遇，而這次的久別重逢，楊雅喆誠摯地遞出邀請函，請你也置身其中。
　
📝專訪文章共 8421 字，上述為節錄部分，全文請點此👉https://bit.ly/37HFHkO

【認真聽】純愛不純｜#台灣青春愛情電影｜刻在你心底的名字 \\ 李長潔
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自2008年台灣電影再次興起以來，通俗的青春愛情故事，不但成為話題與票房的解方，也時常在各影展獲獎。以《#刻在你心底的名字》為例，金馬獎就入圍5項，也榮獲「最佳攝影」、「最佳原創電影歌曲」。盤點台灣青春愛情電影的興起，除了70年代瓊瑤式愛情的健康寫實延續，90年代台灣新電影借用愛情重建台灣性。但進入2000年後，一切開始慢慢不一樣了。
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2000年開始，《藍色大門》（2002）、《盛夏光年》（2006）、《那些年我們一起追的女孩》（2011）、《女朋友男朋友》（2012）、《等一個人咖啡》（2014）、《我的少女時代》（2015）、《六弄咖啡館》（2016）、《刻在你心底的名字》（2020），大量的青春愛情電影成為了台灣純愛想像的視野，他們以「青春」、「少男」、「少女」為名，表現出台灣人的情感文化模式。
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我們今天的「偽學術 | 認真聽」，就來談談這20年來的粉紅泡泡。這廣大的戀愛流行文化是甚麼模樣？它們反映了怎樣的愛情轉向？從不同作品中又可以解讀出哪些文本隱藏的敘事？還有那些膾炙人口的電影主題曲。
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📌 #今天的內容有
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▶ 甚麼是愛情電影
▶ 我的《藍色大門》與青春
▶ 「青春」的形構
▶ 「少男」、「少女」的理念型
▶ 純愛不純—台灣青春的反叛結構
▶ 情感先於政治
▶ 愛情電影主題曲
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📣 #firstory 聽這裡：https://open.firstory.me/story/ckk39z6z0zvfx0807v0lu7165?ref=android
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📣 #kkbox 聽這裡：https://podcast.kkbox.com/episode/4pHpNRfyLL7Tosl61J
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📣 #spotfy 聽這裡：https://open.spotify.com/episode/3sbEXh0CwFSEICRNTdR09S?si=dyHHN9_qR-OzUF8q3P95JA
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//// 完整論述 ////
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▓ #甚麼是愛情電影
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想要談「愛情電影」，那勢必是要做個「#類型電影」操作型定義，儘管近年台灣電影的類型化飽受批評，但其的確是招喚大眾的一個方便途徑。或許我們可以幫愛情電影分類為：羅曼史（romance film）、通俗劇（melodrama）與文藝片。目前2000年後的青春愛情電影來看，則較多傾向文藝片。
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也是因為電影類型化的緣故，其可以更清楚地連帶成一套系統、原則與期待。當「#愛情電影」正式成為一種培養台灣人觀賞電影的習慣，除了公式化的內部敘事外，向外延伸後，便足以展開各種文化工業的制度性生成，例如偶像明星的打造、週邊商品販售、主題曲的流傳等（Illouz, 1997）。
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最終，透過類型電影的集體觀看，可以反映出一個社會的意識形態，或是文化模式。好比《#為甚麼愛讓人受傷》中，Eva Illouz（2012）藉由《傲慢與偏見》來理解西方個體主義的浪漫生態，或許我們也可以在這20年來的青春愛情電影裡看見自己。
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▓ #我的藍色大門
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在《#藍色大門》張士豪的那個年紀，夏天的午后是連續補習戰鬥的人生，週一、三、五是何明數學，週二與週四是徐薇英文，當然以我不學無術的青春，大部份都是呈現偷懶蹺課的狀態。那時候究竟能夠有甚麼煩惱？
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2002年的《藍色大門》第一次開啟了我對愛情與性別的思考。導演易智言當年拒絕了參加金馬獎，不然，這部相當具有時代意義的作品，肯定有不錯的成績。片中孟克柔（桂綸鎂）、張士豪（陳柏霖）、林月珍（梁又琳）三人的關係，呈現了00年代台灣青少年的社會行動與市民生活精神。
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▓ #青春的形構
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我們以後會成為甚麼樣的大人，變成00年代後市民社會中年輕男女的煩惱。在後傳統資本主義社會的生活中，這些都市裡的小事件，個人選擇的養成遊戲，成為我們最需要煩惱的自由，一種集體規則與個人自由的協調抉擇。
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「青春」，是一個重視自我探索的過程（過渡），無論是《藍色大門》或是《盛夏光年》，都試圖描繪這種秩序建構中的過渡，五月天同名歌曲的日文名稱就叫「#青春の彼方」-- 放棄規則，放縱去愛，放肆自己，放空未來。也是因為這樣的「#失序」，青春才讓人懷念。最終，沈佳宜說「人生中的很多事情，原本就是徒勞無功的」，的確，我們正在腐敗，但我寧可選擇相信《刻在你心底的名字》結局的協調與釋懷是有可能發生的。
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「青春」，也帶著台灣觀眾走出90年代的悲情。早期的青春愛情電影帶著濃厚的陰鬱，一直到《藍色大門》開始，我們開始談論同志情感、性別認同、家庭關係、三角戀愛等情感議題，青春變得多元而明亮。
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青春愛情電影裡，反映著情感的真實體制（regime of emotional authenticity）（Illouz, 2012），非常強烈地要求內在性感作為行動與選擇的基礎。青春中的人們，因為初次面臨社會化規範，人們會認真審視自己與對方的情感（愛情、親情、友情），以判斷這段關係的重要性與強烈程度。這大量的自我情感檢視，一見鍾情的強烈情感暗示，時常就是「青春」的情感面貌。這也是青春迷人之處。
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▓ #少男與少女的理念型
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媒體中的少男與少女，帶給觀眾對性別角色的論述形構，一方面文本建立起一種戲劇性、典範式的形象，隨著故事的開展，加深觀影者的情感投射，另方面一起作用的是，少男少女的面貌外表的特質，也形成觀眾的欲望對象，產生明星化的作用，成為性別操演的模仿理念型。
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青春愛情電影中的少男比少女更加倍重視，除了《藍色大門》與《我的少女時代》外，其它全部的愛情電影幾乎都圍繞著少男，少女通常則作為是推動劇情的力量。少男的姣好面貌，成為電影世界裡的耽美重心，隨便舉例就一堆，陳柏霖、張孝全、柯鎮東、陳昊森、曾敬驊，「#大男孩」的對純樸、憨直、大笨蛋的要求，他們表現忠誠、可受控制，並且，他們不會對（男性）觀眾產生威脅感。
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至於女主角則以「#熱情開朗大方」為形象，如《女朋友男朋友》中的林美寶（桂綸鎂），就如同前述，她起了連結兩位男主角陳忠良（張孝全）與王心仁（鳳小岳）的作用，確實地帶動敘事的進展。
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▓ #台灣青春的反叛結構
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2000年後的台灣青春愛情，某個程度上融合了日本和美國的純愛視野，前者展現了「#物哀」的精神，後者則更多在表現西方個體主義的追求。當然，不同的作品也有各自主題脈絡的側重，像是性別認同、性別麻煩（Butler, 1990）、青春成長、描繪時代精神、國家與社會變遷的隱喻、情感抉擇等等。
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總體而言，台灣的作品更擅長挪用青春的反叛結構，去對應、甚至逆返「#國家體制的規訓」，這個台灣電影本土化的大主題。2000年後的新導演，以90年代前後為基礎，自然而然流露出了導演本身的「懷舊」情感，想是一個包含了情慾、戀愛、政治、社會、經濟裝況的「情感的共同體」。
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▓ #情感先於政治
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以《女朋友．男朋友》為例，其為一部愛情電影，也是一部歷史電影。該片採用序列式的線性時空，將台灣的多重現代性再現。許多文化學者會討論國族與愛情的辯證關係，大時代下兒女情長，微小的愛情被鑲嵌在巨觀的社會脈絡中。但實際進入電影文本，才會發現，楊雅喆並不是要說明這種台灣性的社會—歷史時空，反而，他進行一種「#逆反」，讓情感能量來主導政治的場景。根本沒人真正在鳥民主自由，這才是真正的自由，非常後現代的後現代的後現代。
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楊雅喆幾乎總結了後殖民與後現代電影裏頭所有的多元主體：女性、情慾、學生、社會運動、娘娘腔、同志、小三、本土、鄉下人、都市人等等，運用了諸多遊戲般的情節將這些概念構成一個皺摺，裏頭緊密扎實情慾流動，展開又可以觀看台灣自由的進程。
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▓ #那些年我們一起唱的主題曲
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青春愛情電影還是成為一種類型了，也不是壞事，也許是必然，這形成了一個穩定的大眾流行文化市場，引導著戀情與自由的話題，反映著純粹親密關係的渴望。在電影裡，人們才可以淡化成人愛情經驗的功利性、功能性。如果能夠再有一首好聽的情歌那就更好了！
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要能在腦中烙印電影裡的青春記憶，就一定要有一首讓人感動的歌曲，當旋律響起時，瞬間喚起洶湧的刻骨銘心，像是《藍色大門》的「#小步舞曲」、《我的少女時代》的「#小幸運」等。盧廣仲的《刻在我心底的名字》就是一個不錯的例子。這首獲獎歌曲，編曲十分令我動心，第一聲，每次聽到小號與歌手聲線對唱，與法國號的穿梭交疊，都會全身起雞皮疙瘩。
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這首歌起了關鍵的宣傳作用，五月天、魏如萱、周興哲、蔡依林、田馥甄、梁靜茹、李千娜、韋禮安、曾沛慈、徐佳瑩等歌手的cover版傳唱參與，更加豐富了電影文本與影迷/歌迷的連結。
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結論是，該約唱歌了（？

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#參考文獻
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1. Illouz, E. (1997). Consuming the romantic utopia: Love and the cultural contradictions of capitalism. Univ of California Press.

2. Illouz, E. (2012). Why love hurts: A sociological explanation. Polity.

3. Butler, J. (1990). Gender trouble: Feminism and the subversion of identity. routledge.

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以下為本段內容文稿：

各位朋友大家好，又到了為你朗讀的時間，今天嘉玲要繼續跟大家介紹「安眠書店」。
上一集我們花了許多時間在介紹危險情人，他們為何容易讓人卸下心防，他們在關係中的追求，以及可能的成長背景。
這一集，我們把焦點轉到女主角貝可身上，了解什麼樣的信念或特質容易吸引危險情人，或是進入到危險關係中，很困難脫身。
之所以要討論貝可，並不是要指責受害者，把責任都怪在他們身上，但不可否認的是一個巴掌拍不響。就像在影集中，貝可和喬是曾經分手的，貝可其實有發現喬不太對勁，認識他之後，身邊的朋友一個個都消失，而且喬絕口不提自己過去的感情、女朋友，這些都不太合理。
而且喬和貝可分手後，也交了新女朋友，新女朋友帶給喬很大的安定感，他們的感情是很穩定的，可是喬卻覺得有一些些失落。
原因就在於新女朋友無法帶給他，如同貝可一樣的刺激感。
怎麼說呢？剛認識貝可時，你會覺得他是個甜姐兒，長得很甜美，個性也很好，很在乎朋友，雖然家境不好，可是努力打工、教瑜珈賺自己的生活費，就算遇到教授威脅上床，以維持助教的工作，她也沒有屈服。
可是慢慢看下去，你會發現貝可一直在說謊，她騙大家父親過世了，可是他的爸爸其實好好的活著，貝可刻意把自己塑造成一個可憐、脆弱的角色，來博得大家的同情。
同時，她也常常在社交軟體上刻意把自己裝做很文藝、認真、積極、上進，好像很有熱情、夢想，但其實她根本沒在寫作，只是一直嚷嚷著自己很想寫，可是沒時間、太忙、要賺錢等等等。
但沒錢沒時間的她，只要朋友有約，她又會立馬出現，覺得不去就不夠潮、Fashion。
或是她本來的男朋友，其實只是把她當成洩慾的對象，但她還是無法拒絕對方的求歡，為什麼呢？
因為她的前男友很有錢、家世好，攀附在這些關係中，會讓她感覺自己還不錯，不是那個鄉下來的poor girl。
貝可的自我概念一直是很不穩定的，所以她經常有意無意對異性傳送電波，很容易讓人誤會她，這也是喬為何那麼沒安全感，總想要控制貝可，知道他的一舉一動，可是離開後，遇到一個很穩定的女友，卻又覺得無聊。
因為貝可很能激起喬的征服慾，讓喬覺得刺激、有趣。
他們兩個心裡的洞，創造很大的吸引力，因此，在靈魂的部分，他們彼此是需要彼此的，可是在意識層面，他們沒有學會好好管理自己的情緒和溝通能力，才會不斷的相互折磨。
此外，貝可的低自尊還展現在創作上，當她遇到才華洋溢的同學時，她其實是選擇逃避的，她覺得自己什麼都沒有，不可能贏得別人的認同。
可是渴望被接納、保護，卻又一直是她心底很大的需要，於是她最後選擇杜撰一篇自己跟死去爸爸的互動經驗，來討拍，博取大家的同情。
她可以繼續是那個手足無措、害怕、可憐的女孩，需要大家關愛。貝可性格裡許多的陰暗面，讓她不斷在危險邊緣衝浪。
衝得過，就是一段刺激的戀情，衝不過，就是掉落冰冷的大海，溺斃。
貝可心裡的空虛，讓喬得已介入。
在我過去的經驗中，有許多身處危險關係的女性，他們對自己的存在也是不自信的，懷疑自己的價值，以至於他們習慣用照顧、付出的方式，來證明自己的存在。
這個部分雖然跟貝可喜歡討拍、裝可憐的形象不一樣，可是深入底層，你會發現那種對生命深深的無力感、懷疑，其實是相同的。
所以才會需要在現實生活中，找一段戀情來讓自己有事情忙，逃避心裡的痛苦與焦慮。
假使你有認識這樣的朋友，或是你發現自己也有類似的狀況，非常鼓勵你給自己一點時間、一點空間，去找專業的人士談談，或是找相關的書籍和課程，讓自己對這個現象有多一點了解。
你不是生病，你只是心受傷了，需要一點時間療傷、撫慰那個一直被遺忘的自己。
如此，才有可能停止輪迴，讓真正的幸福進入你的生命。
希望今天的分享對你有幫助，假使你想學會好好愛自己？進而在關係中找到真正適合自己，而不是一直剝削你的人，我在啟點線上學苑開設了一門新課程，叫「人際斷捨離～讓你的生活只留下對的人」，將會透過許多小活動，讓你更了解自己。相關的課程連結都在YT下方，有興趣的朋友，都可以直接線上報名喔！
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以下為本段內容文稿：

各位朋友大家好，又到了為你朗讀的時間，今天嘉玲想要跟大家介紹一齣很好看的戲劇，叫「安眠書店」。
這齣戲有多好看呢？他是去年2018年9月在Netflix上映，短短幾個月全球就有四千萬用戶收看，口碑非常好。
那為什麼想介紹這齣戲呢？是因為我在看戲的過程中，一直覺得這是危險關係非常好的教材，而且顛覆了許多我們過去對危險情人或被害者的認識。變得比較立體。
當然一齣戲不等於就是全部的真實，只是透過探討這齣戲，我們有機會看看不同的面向，對問題有更多元的理解。
可能有很多朋友還沒看過這齣戲，或是不認識這齣戲，所以容我花一點時間，簡介一下這齣戲在演什麼？
這齣戲一開場是在一家很有特色的獨立書名，男主角Joe喬，是書店經理，有一天他在書店邂逅了女主角Beck貝可，Joe就對貝可一見鐘情，開始上網搜尋貝可的資料。
很快的喬就掌握貝可的一切行蹤，這件事情並不難，因為貝可很愛使用社交軟體，每天都會上去po文，分享自己生活裡的點點滴滴。所以喬知道貝可住在哪裡？讀什麼學校？主修什麼？想要成為作家，等等等。
戲就從這裡開始演，身為觀眾的我們，看著這對俊男美女怎麼一步步墜入情網，然後，互動變得越來越驚悚、可怕。
談到這邊，你可能會覺得這種套路有什麼好看的？不就是看男主角或女主角怎麼「愛到卡慘死」，一步步踏入「死亡的界線」。
對，你猜得沒錯，結局不是Happy Ending。
但這部戲最最最特別的一點在於，這個男主角其實是個危險情人，但作者卻巧妙地用男主角的視角講故事。也就是加害人的角度說故事，這是很罕見的，因為觀眾通常不喜歡壞人，我們喜歡善良、正義的一方獲得勝利。也因此我們常常把加害人扁平化，覺得他們應該就是滿臉橫肉，一眼就能看出來他們是壞人，或是個霸道總裁，大男人主義，我們應該認得出來，知道怎麼跟他們周旋，遠離危險。
但如果你不曾好好認識加害人的面貌和內心，你其實是不可能全身而退的。這也就是為何台灣最近另一個話題戲劇，「我們與惡的距離」之所以爆紅的原因，如果沒有編劇、創作者勇敢把問題揭開，推著我們用更多元的角度把問題看清楚，我們才有機會開始思考，否則人是情願待在舒適圈，繼續用自己的以為推論世界的，因為這樣比較省事。
好，扯遠了，我們先回來「安眠書店」，我之所以喜歡這齣戲，是因為我的碩士論文研究的就是危險關係。所以我很清楚那些所謂壞男人（或壞情人），其實並不如你想像中的可怕，相反的他們非常迷人。
這裡指的迷人，不是外表好看，而是他們知道怎麼讓人卸下心防。就像故事裡的喬，其實就像個文藝青年，看起來無害，而且他在戲裡頭還會幫忙鄰居家的受虐兒童，是真的有善良的一面。
所以女主角貝可覺得喬是一個斯文、有趣的傢伙。不過，貝可一開始是有男朋友的，雖然她和男朋友的感情不怎麼好，可是貝可並沒有像喬一樣，瘋狂迷戀對方。
接著喬一步步滲入貝可的生活，先是在地鐵拯救她，讓貝可覺得自己欠喬一個恩情，然後，喬又指導貝可反擊性騷擾她的教授。在貝可眼中喬是一個很好的人，願意幫助。
於是觀眾也會開始認同喬，覺得貝可需要被保護、被拯救，而喬剛好是那個最合適的人，全天下沒有人比喬更關心貝可了。
此外，作者還刻意把貝可塑造成一個可憐的受害者，像是沒有錢、窮學生、家庭失和、有一個渣男朋友，讓喬可以像個英雄一樣出現拯救貝可，為何要這樣設計當然也是有原因的，這個我們下一集在介紹。
回到喬，因此觀眾剛認識的他，其實只是一個熱心、關心人的男生，並沒有太多踰矩的行為。
但當你看到喬為了愛貝可，不惜殺掉貝可的男朋友時，你就會開始覺得不對，這個人失控了，可是不知道為什麼，你又會覺得喬這麼做是對的，這些事情都是非得做的。
那為什麼喬做出這麼可怕的事情，我們卻不會討厭他呢？甚至開始替他說話？
原因就在這齣戲用了大量的獨白，簡稱OS，讓身為觀眾的我們，很容易帶入到男主角的情境，覺得喬變態瘋狂的行為都是情有可原，而且了解他的動機後，就覺得沒那麼恐怖，角色互換，我們身在他那個情境有可能也會做出一樣的事情。
你會聽見喬的內心，是真的真的很愛貝可，很怕他受到傷害，他是基於許多重要的理由，像是怕貝可被騙、被看不起，所以才會出手拯救。
而這些話，在我的研究中，也經常是加害人對受害者說的話，於是那些女生就會開始合理化男友的行為，覺得男朋友這麼做都是太在乎，不是故意的。
好像只要師出有名，動機合理，行為再不對都可以原諒。也就是以愛為名，行傷害之實。
忘記跳離開，理性的分析這樣的愛，真的合理、沒問題嗎？還是只是彼此把自己心裡的破洞，投射在對方身上。
就像隨著劇情的推進，我們了解到男主角的成長背景，就會知道他這些可怕的行為是怎麼學來的？我們現在看到的加害人，曾經也是一個可憐無助的受害者，為了生存、為了連結，他扭曲了自己，以求活下來。所以當他遇到喜歡的人時，以為只有用同樣的控制手段，才有可能贏得被愛。
這些心裡的傷沒有去處理，外在的保證再多也沒有幫助。
就像貝可和喬過了蜜月期，關係不在那麼多浪漫和激情後，喬又開始疑神疑鬼，讓貝可覺得窒息，把貝可推離自己，然後喬又做了一堆事情證明自己，把貝可拉回來。讓彼此一直在痛苦與甜蜜中輪迴。
假如你現在的關係，讓你覺得很矛盾，你知道對方愛你、在乎你，但他卻一直造成你的傷害，你覺得有些困惑，很鼓勵你可以追一下這部影集，你會對加害人的心裡有更完整的認識。
但看完後不是要你認同對方，而是站在第三者的角度，重新思考，這些行為像不像你身邊試圖控制你的人一樣，你覺得繼續替他們合理化會發生什麼事情？我想女主角的下場，暗示了很多事情。
下一集我也會在針對女主角的背景，跟大家分析什麼樣的特質容易陷入危險關係。
但如果你沒時間看戲，或者你看完後，想知道假如身邊真的有這種危險情人，或是有控制慾的人，該怎麼辦？
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